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Daphne Guinness戴着面纱像中世纪的公主，在她的坟墓前躺着，死寂般平静，只有一只带着铠甲“手套”的手在颤抖着。

上周在伦敦举行的这个活动， Guinness女士和珠宝商Shaun Leane之间的合作是一个极端追求时尚的活动，她把自己作为展览品，代表了现在时尚与艺术之间的纽带关系。

无疑，时尚已经成为大赢家，也是展览会的造钱机。

世界各地任何时刻至少有十几个博物馆提供给主流时尚展示的舞台——更不用提那些在画廊或者甚至在百货公司里举办的展示了。

Guinness女士在展示的同时，一个私人摄影展在伦敦Somerset House展出：“大师风范”，用意大利时尚产业标志性的广告活动的照片——从Armani到Ferragamo再到Prada（展览时间一直到8月14日）来纪念意大利统一150周年。

本周在巴黎the Musée des Arts Décoratifs（装饰艺术博物馆）会有概念设计师Hussein Chalayan的展览开幕。（展览时间一直到11月21日。）

Valentino可能是数字展览的先驱，在周三推出一次吸引人的活动，即提供了一个在线探索服装设计师时尚历程的活动。

周四，高级女装系列将在凡尔赛的Grand Trianon（大特里亚农）庆典展览“重返18世纪时装”（展览时间一直到10月9日）中闭幕。庆典由Olivier Saillard担任策展人，秀演将展示当今的设计师，从Jean Paul Gaultier到Vivienne Westwood，还有传统服装和配饰。

同样在巴黎Bourdelle博物馆Madame Grès（葛蕾夫人）展（展览时间一直到8月28日）背后受到赞誉的是负责人Saillard先生，Palais Galliera博物馆的创意总监。他的展览创造了服装和雕塑之间进行对话的景象。

时装展览因此已经达到时尚的高度——且无所不在。这一全球现象包括Alexander McQueen在纽约Metropolitan Museum of Art（大都会艺术博物馆）上演的“Savage Beauty（野性美）”秀演。（由于秀演受欢迎延期至8月7日）。那里是时装展览会的发源地，在当时博物馆馆长Philippe de Montebello和Diana Vreeland的管理下，在1983年对Yves Saint Laurent进行了研究——成为有史以来的第一个为还活着的设计师在博物馆里举办的服装秀。

去年在巴黎Petit Palais（小皇宫）的一场展览又将Saint Laurent推到了舞台中央——但是这次是在他去世以后。

设计师和品牌的延续性为这些具有里程碑意义的活动，能连续不断的举办提供了机会。

Montreal Museum of Fine Arts（蒙特利尔美术博物馆）上演的Jean Paul Gaultier的服装秀“从时装T台到人行道”（活动延续到10月2日）代表着这位标新立异的设计师35年的时尚生涯。馆长Nathalie Bondil坚定不移地独立策划和资助秀演，并预定将巡游世界进行展出——从达拉斯、旧金山穿越马德里和鹿特丹。

巡回展出的现象，起到了极大的全球影响力，是博物馆世界里另一个拓展方向。

时尚真值得展出吗？而且，更重要的是，有没有明确的标准，对各种各样的秀演进行评断？

人们涌入莫斯科Pushkin Museum（普希金博物馆）为了看一场“Inspiration Dior（灵感Dior）”展览（展出到7月24日），由Dior公司策划，将时尚与现代艺术主流作品作比较。在上海，有异曲同工之妙的“文化Chanel”，把展品与现代主义展览相融合，10月活动就将移师北京。

这样自筹资金的展览不是纯粹的宣传——他们有一个艺术基础。但他们也强调一个品牌的历史，用世界上最大的奢侈品市场产品来教育民众。

博物馆展览的发展只是这千年内时尚本身发生变化的缩影。随着技术发展、即时图像和全球参与度的影响，时尚已从小众喜爱的群体发展到“万人迷”——甚至成为了一种娱乐——对每个人来说。

正如巴黎Musée des Arts Décoratifs（装饰艺术博物馆）馆长Beatrice Salmon说的，之所以有那么多展览是因为时尚始终吸引了大批观众。

博物馆从某些方面改变了设计师对待他们自己的档案室。西班牙Getaria的一家新博物馆是Cristóbal Balenciaga的发源地，里面的礼服都有自己的主人，其中有些人在今年夏天的开幕式上出现过。Hubert de Givenchy是Balenciaga博物馆背后的力量，花了十年时间说服那些女士来捐赠服装。

编辑Hamish Bowles则略有不同。Hamish Bowles去年在纽约及最近在旧金山de Young Museum（德扬博物馆）举办Balenciaga的展览。Bowles先生曾去过现任Balenciaga的设计师Nicolas Ghesquière的档案室。但作为旧金山博物馆的客席策展人，他与博物馆的档案人员及其他出借服装的人一起办展。

30年前，这样处理归档的档案是不符合标准的做法。Katell le Bourhis在1983年和Vreeland女士一起举办Saint Laurent展，Katell le Bourhis记得公司为Met's Costume Institute（Met's服装学院）秀演只提供了一件棕色蕾丝裙。Vreeland女士自己作为Saint Laurent的捐献者，请求几位美国妇女来捐礼服。直到之后YSL的合作伙伴Pierre Bergé建立了一个档案室，这才标志着对时尚的接受度已不仅仅是一种装饰艺术，而是文化遗产的一部分。

现在，所有的品牌都在不断从过去汲取经验发展现在——至少因为那些历史是灵感的来源。Gucci 9月将在佛罗伦萨开一个专用的博物馆。现任设计师Frida Giannini说这个博物馆将是在一个15世纪的建筑里，那里以前是她的办公室。博物馆将“融合时尚与艺术”。

值得注意的是，意大利大师Giorgio Armani 2000年在纽约Solomon R. Guggenheim 博物馆的展览引起了争议，因为设计师就是服装的捐献者。巴黎Les Arts Décoratifs首席艺术馆长看到这个展览就是“改变现状”的一个例子。

正如Bowles先生所投入的那样，各方面的努力都用于重振过去，并提供“冲击视觉的热情”，由此提出一个简单的问题：时尚展览要展出什么？

其中隐含的问题是：谁将成为星火相传的人，尤其对于还活着的设计师来说？一个独立的博物馆馆长应采取客观的参与，还是与设计师协同工作？公司举办一场展览是否能被认为是客观的？

Victoria和 Albert博物馆资深时尚策展人Claire Wilcox讲述了她一生举办展览的经验，并说她让自己采取传统的方法进行“多年的研究”。因为博物馆重视艺术品和手工艺品，策展人同样需要参与纺织品的保护和在这一领域里的创新。她还注重目录和网上获取的图片，这是因为她在与“世界上最美妙的收藏”打交道，她开始“理解设计词汇中的含义”。

相比之下，由Wilcox女士在2007年策划的“时装的黄金时代”，展览从历史的角度，提出了一个技术点——V&A公关策划主任Damien Whitmore说，博物馆需要承担一部分责任。

Whitmore先生说“我们的重点是策划，因为我们展出的产品系列是多种多样的。”他已经在世界各地举办过100个各种大小的展览了。

赞助这方面是微妙的。因为博物馆缺少资金，几乎大多数时尚展览都会引入一些外部投资。Saillard先生甚至对赞助商感到沮丧——时尚界或艺术界——总是同样被大博物馆所吸引，即使博物馆创作团队做着研究，但这些有钱的品牌也不会尝试资助博物馆。另馆长的懊恼是，像LVMH集团和PPR这样的奢侈品集团就投资当代艺术项目，而非时尚博物馆。

在Montreal，Bondil女士坚持“博物馆不是一个陈列柜。”

她说：“独立有时是昂贵的，但自由是无价的。我讨厌'大片'这个词。如果把我们与电影比较，我们属于独立的环节——而不是好莱坞的一部分。回想第一次在旧金山举办的Saint Laurent展览，我坚持要有独立的策展人和专家。在我的印象中，不能相信没有独立前景的展览还是一个活跃的商业品牌。”

虽然Bondil女士在寻找资金并主要策划当代艺术展览——而不仅仅是时尚，作为一个复杂的课题，Antwerp（安特卫普）MoMu主任 Debo女士拒绝把赞助作为一个道德问题看待。

Debo 女士说：“我认为没有问题。这主要归结为如何协作。有时媒体都太多疑了，认为博物馆不能决定什么。重要的是如何运用协作和如何达成意见一致。”

然而，很难想象是如何给予深刻、批判性的评价，这些评价可能会在给予赞助的品牌策划的一场展览中出现——例如，几年里最有创意的著名设计师之后就被超越了。

一些博物馆对于时装展览应有的主题有着清晰的理解。旧金山（the Fine Arts Museums）美术博物馆总监John E. Buchanan Jr.说首要考虑的是一个秀演对于长期收藏纺织、服装、时装系列的博物馆来说，是否可以“找到它的长处，发掘它的起源”，他列举了46 件Balenciaga陈列品让Bowles的秀演增添了光彩。

Buchanan 先生说：“第二，时装设计师是艺术家这个事实。对于一个专题展览，我们寻找'天才的因素'。 我们希望设计者是充满创意的——他们创造独具特色的理念、廓形、技术或风格，与以前完全不同，他们具有广泛深远的作品可以连续激励和影响几代设计师。”

判断一个设计师已经成为历史还是较容易的，但是除了资金问题，另一个关于博物馆展览的争论就是是否应该由一个还活着的设计师来倡导。

Debo女士认为由活着的设计师和策展者一起工作是必要。

虽然她说她已重新指导设计师的发布趋势，展示他们的最新作品，Antwerp的策展人说：“与活着的设计师一起工作是有价值的。对于Dior，你不能去问Dior先生本人。”

然而，Bondil女士说：“我是一个艺术史学家，而不是一个时尚专家，博物馆的使命是展示人们不太了解的作品，这也是表现卓越，其中包括展示高级时装的高标准，并推广到大众。我的理解，设计代表一种特殊的兴趣，大众可以通过服装的形式和功能，很容易地认出品牌。那样才会吸引他们进入其他领域，学习更多的内容。”

Bondil 女士继续说：“我们尝试通过策划，提倡社会和人类的价值远高于艺术。艺术包含所有人能够参与的信息，不仅是业余爱好者还有专家：博物馆说的是一种通用语言。”

时尚是一种多形式的对话。其中的形式之一就是Guinness女士的沉思、赋予生气的、时尚原创型。这不仅仅有Leane先生非比寻常的珠宝手套（花了五年时间制作）将在伦敦现代艺术掌门人Jay Jopling的White Cube Gallery（白立方画廊）展出，而且这个展览“Daphne Guinness”将在9月5日纽约的FIT（Fashion Institute of Technology时装技术学院）的博物馆开幕——时尚界的表演艺术家Marina Abramovic将带来她令人振奋的艺术展示。


巴黎Musée Bourdelle（布德尔博物馆）的The Madame Grès exhibition（葛蕾夫人展览）（展览持续到8月28日）是由巴黎Palais Galliera museum（加列拉宫殿博物馆）的创意总监Olivier Saillard策展

尽管时尚已被证明是博物馆的伟大蓝图，但它真值得这样展示么？2008年Jean Paul Gaultier“Mermaids（美人鱼）”服装系列是在Montreal Museum of Fine Arts （蒙特利尔美术博物馆）“从时装T台到人行道”展览（一直持续到10月2日）的一部分，这是该系列中的一条礼裙。

展品的范围从餐具到档案室的精选品到广告，就像由Albert Watson提供的Prada 1998年秋/冬系列的照片一样。这是在伦敦Somerset House举办的“大师风范”展览（展览持续至8月14日）的一部分，展览用意大利时尚产业标志性的广告活动的照片——从Armani到Ferragamo来纪念意大利统一150周年。

“Balenciaga and Spain”展最近在旧金山de Young Museum（德扬博物馆）闭幕。编辑Hamish Bowles负责策展，他去过现任Balenciaga设计师Nicolas Ghesquière用过的档案室。但作为旧金山博物馆的客席策展人，他与博物馆的档案人员及其他出借服装的人一起办展。

巴黎Musée Bourdelle（布德尔博物馆）的The Madame Grès exhibition（葛蕾夫人展览）（展览持续到8月28日）倍受赞誉。Palais Galliera museum（加列拉宫殿博物馆）的创意总监Olivier Saillard创造了一种服装与雕塑对话的景象。

概念设计师Hussein Chalayan的展览在巴黎Musée des Arts Décoratifs（装饰艺术博物馆）开幕（展览持续到11月21日），展览注重设计师的意象。这里是一件与Swarovski（施华洛世奇）合作的服装，具有激光功能。


Chanel在上海展 示的“文化Chanel”，融合了现代主义的展览。活动将在10月移师北京。这样自筹资金的展览不是纯粹的宣传——他们有一个艺术基础。但他们也强调一个品牌的历史，用世界上最大的奢侈品市场产品来教育民众。

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